Uncategorized

Mujeres artistas en las ferias de arte internacionales (2015-2025): visibilidad, mercado y reivindicación Por Staff de asheé La presencia de las mujeres artistas en las grandes ferias: avances reales o corrección simbólica En la última década, la presencia de mujeres artistas en las principales ferias de arte contemporáneo —como Art Basel, Frieze, TEFAF o The Armory Show— ha aumentado de manera notable. Este crecimiento responde tanto a cambios estructurales en el mercado como a una creciente presión crítica sobre las desigualdades históricas del sistema artístico. Durante gran parte del siglo XX y principios del XXI, la representación de mujeres en galerías, colecciones y ferias internacionales fue significativamente menor que la de sus colegas masculinos. Sin embargo, entre 2015 y 2025 se ha producido una transformación gradual: cada vez más galerías incorporan artistas mujeres en sus programas y las ferias han empezado a visibilizar esta corrección histórica. Aun así, la cuestión central sigue siendo si este aumento de presencia implica una verdadera transformación del mercado o si responde en parte a dinámicas de legitimación institucional y simbólica. La evolución de la representación femenina en ferias internacionales A mediados de la década de 2010, numerosos estudios señalaban que menos de un tercio de los artistas representados por galerías eran mujeres. En ese contexto, las ferias de arte reproducían una estructura de mercado profundamente desigual. En los últimos diez años, las cifras han evolucionado hacia una mayor paridad. Hoy, aproximadamente entre el 35 % y el 45 % de los artistas presentados por galerías en ferias internacionales son mujeres, dependiendo del evento y del sector del mercado. Este crecimiento ha sido especialmente visible en: secciones curatoriales o proyectos especiales stands monográficos dedicados a artistas históricamente infravaloradas programas de galerías jóvenes o de tamaño medio Sin embargo, el equilibrio todavía está lejos de alcanzarse en los stands de mayor visibilidad comercial, donde la representación masculina sigue siendo dominante. Esta diferencia revela una tensión estructural: mientras el discurso institucional promueve la diversidad y la igualdad, el núcleo económico del mercado continúa reproduciendo jerarquías históricas. ¿Ha crecido también el mercado de las mujeres artistas? La visibilidad no siempre se traduce inmediatamente en valor económico. Aunque las ventas de obras de mujeres han aumentado durante la última década, persiste una brecha significativa en el mercado. En el mercado primario —es decir, en las ventas realizadas por galerías— las artistas representan hoy aproximadamente entre el 35 % y el 40 % del volumen de ventas. En las ferias, el porcentaje suele ser algo menor, especialmente en los segmentos de mayor valor. El mercado secundario (subastas) muestra una desigualdad aún mayor. A pesar de algunos récords recientes y del redescubrimiento de artistas históricas, el valor total de las obras vendidas de mujeres sigue siendo una fracción del mercado dominado por artistas masculinos. Este fenómeno responde a varios factores: desigualdad histórica en la formación de colecciones menor presencia en museos durante el siglo XX menor número de obras en circulación en el mercado diferencias en las estrategias de promoción de galerías y casas de subastas En otras palabras, el mercado actual refleja todavía decisiones institucionales tomadas durante décadas. Miembros de Guerrilla Girls frente a una de sus primeras obras, exhibida en el Museo Victoria and Albert. Activismo y crítica institucional: el papel de los movimientos feministas en el arte El aumento de visibilidad de las mujeres artistas no puede entenderse únicamente como una evolución natural del mercado. Ha sido también el resultado de décadas de activismo y crítica institucional dentro del propio mundo del arte. Uno de los colectivos más influyentes en este proceso ha sido Guerrilla Girls, fundado en Nueva York en 1985. Este grupo anónimo de artistas y activistas se hizo conocido por sus campañas visuales que denunciaban la desigualdad de género y racial en museos, galerías y colecciones. Sus famosos carteles —muchos de ellos colocados en el espacio público cerca de museos— utilizaban estadísticas y humor para evidenciar la desigualdad. Uno de los más conocidos preguntaba: “¿Tienen que estar desnudas las mujeres para entrar en el museo?”, señalando que la mayoría de los desnudos representados eran femeninos, mientras que las artistas mujeres eran minoría en las colecciones. El impacto de estas acciones fue profundo. Al introducir datos cuantitativos en el debate público, las Guerrilla Girls obligaron a museos, galerías y ferias a confrontar la desigualdad estructural del sistema artístico. Feminismo artístico y revisión del canon El trabajo de colectivos como Guerrilla Girls se inscribe dentro de una tradición más amplia de arte feminista que se desarrolló desde la década de 1970. Artistas como Judy Chicago o Miriam Schapiro impulsaron movimientos que cuestionaban directamente la construcción histórica del canon artístico, denunciando la exclusión sistemática de las mujeres de la narrativa del arte moderno. Desde entonces, numerosos proyectos curatoriales, publicaciones y exposiciones han trabajado para recuperar artistas olvidadas y reexaminar los criterios con los que se ha construido la historia del arte. En las últimas décadas, esta revisión historiográfica ha tenido consecuencias directas en el mercado: artistas que durante años estuvieron marginadas han sido redescubiertas, integrándose progresivamente en colecciones, museos y ferias internacionales. Ferias de arte y construcción del canon contemporáneo Las ferias no son únicamente plataformas comerciales. También funcionan como espacios de legitimación cultural donde se construyen narrativas sobre el arte contemporáneo. En este sentido, la creciente presencia de mujeres artistas puede interpretarse como parte de un proceso más amplio de revisión historiográfica. Muchas galerías han recuperado figuras olvidadas o subrepresentadas, integrándolas en un discurso que reconfigura el canon artístico. Sin embargo, este proceso plantea preguntas críticas: ¿se está produciendo una verdadera reescritura del canon o una corrección temporal? ¿las artistas emergentes reciben el mismo apoyo estructural que los artistas hombres? ¿la paridad se mantiene en el largo plazo o responde a tendencias de mercado? Para muchas comisarias, historiadoras del arte y artistas, la respuesta depende de la capacidad del sistema artístico para transformar sus estructuras, no solo su discurso. Principales reivindicaciones de las mujeres artistas A pesar de los avances de la última década, muchas artistas

El papel de la mujer artista De la invisibilidad al protagonismo Por Estela Ferrer Raveiro La historia del arte, tal como ha sido contada durante siglos, ha estado dominada por nombres masculinos. Sin embargo, las mujeres siempre han creado arte. La diferencia no ha estado en la capacidad, sino en el acceso, el reconocimiento y la posibilidad de firmar y difundir su obra. Explorar el papel de la mujer artista desde la Antigüedad hasta la actualidad implica revisar no solo estilos y obras, sino también las estructuras sociales que condicionaron su visibilidad. La Antigüedad: crear sin nombre En las civilizaciones antiguas, como Egipto, Grecia o Roma, las mujeres participaron en la producción artística principalmente en ámbitos considerados “menores” o domésticos, como el tejido, la cerámica o la ornamentación. Muchas de estas prácticas tenían un alto valor estético y simbólico, pero no eran reconocidas como “arte” en el sentido clásico. Aun así, existen excepciones significativas. En la Grecia clásica se menciona a Timarete, pintora e hija de un artista, y en la Roma imperial algunas mujeres fueron reconocidas como musas, poetisas o artesanas. No obstante, la autoría femenina rara vez quedó registrada: el arte hecho por mujeres fue, en gran medida, un arte anónimo. Edad Media: el arte como espacio posible Durante la Edad Media, los conventos se convirtieron en uno de los pocos espacios donde las mujeres podían acceder a la educación y a la creación artística. Monjas y religiosas participaron en la iluminación de manuscritos, la música sacra y la escritura. Figuras como Hildegarda de Bingen destacan no solo por su producción artística, sino también por su pensamiento y visión espiritual. Aun así, el arte femenino seguía vinculado a lo religioso y a lo colectivo. La idea del “genio individual”, tan importante en la historia del arte occidental, seguía siendo un privilegio masculino. Renacimiento y Barroco: talento frente a límites El Renacimiento supuso un gran desarrollo artístico, pero también reforzó barreras para las mujeres. El acceso a academias, estudios anatómicos y talleres profesionales estaba prácticamente vedado. A pesar de ello, algunas mujeres lograron abrirse camino, generalmente gracias a su entorno familiar. Artistas como Sofonisba Anguissola o Artemisia Gentileschi demostraron un dominio técnico y expresivo comparable al de sus contemporáneos masculinos. Sin embargo, sus trayectorias estuvieron marcadas por la necesidad de legitimarse constantemente y por una lectura de su obra filtrada a través de su condición de mujeres. Sofonisba AnguissolaAutorretrato con caballete, 1556Óleo sobre tela, 66 × 57 cm.Castillo de Lancut, Polonia Suzanne ValadonDespués del baño, (Sin Fecha)Museo del Petit Palais (Ginebra) Siglos XIX y principios del XX: romper el silencio Con la llegada de la modernidad, las mujeres comenzaron a reclamar mayor presencia en el espacio público y cultural. Aunque las academias de arte seguían siendo excluyentes, cada vez más artistas mujeres participaron en movimientos artísticos y exposiciones. Figuras como Berthe Morisot, Mary Cassatt o Suzanne Valadon fueron fundamentales en el Impresionismo y el Postimpresionismo, aunque durante mucho tiempo su obra fue considerada secundaria. Paralelamente, el arte se convirtió en una herramienta para cuestionar los roles de género y la identidad femenina. Arte contemporáneo: visibilidad, crítica y diversidad En el arte contemporáneo, las mujeres artistas han alcanzado una visibilidad sin precedentes. Ya no se trata solo de ocupar un lugar en la historia del arte, sino de reescribirla. Artistas como Frida Kahlo, Louise Bourgeois, Cindy Sherman o Yayoi Kusama han utilizado su obra para explorar el cuerpo, la identidad, la memoria, el poder y la experiencia femenina desde múltiples perspectivas. Además, el feminismo ha impulsado una revisión crítica de museos, colecciones y discursos artísticos, poniendo en evidencia las ausencias y desigualdades históricas. Hoy, la mujer artista no es un caso excepcional, sino una voz plural y diversa que dialoga con su tiempo. Conclusión La historia del arte no puede entenderse sin las mujeres que lo han construido, muchas veces desde los márgenes. Reconocer su papel no es solo un acto de justicia histórica, sino también una forma de enriquecer nuestra comprensión del arte y la cultura. Del anonimato a la reivindicación, del silencio a la palabra propia, la mujer artista ha pasado de ser invisible a ser imprescindible.

Arte y vino un diálogo eterno entre los sentidos Por Estela Ferrer Raveiro Eventos Desde tiempos ancestrales, el vino ha sido mucho más que una bebida. Ha sido símbolo, rito, inspiración y lenguaje cultural. Su presencia atraviesa la Historia del Arte como un hilo rojo —o tinto— que conecta civilizaciones, mitologías y formas de entender el mundo. Hablar de arte y vino es, en realidad, hablar de una relación profunda entre creación, placer y comunidad. En la Antigüedad clásica, el vino encontró su máxima personificación en Baco (Dionisio), dios del vino, del éxtasis y de la fertilidad. Su iconografía es una celebración de los sentidos: cuerpos en movimiento, miradas desbordadas, escenas de banquete y libertad. Artistas griegos y romanos entendieron el vino como una puerta a lo divino y a lo humano al mismo tiempo, una sustancia capaz de disolver límites y despertar la creatividad. No es casual que Baco haya sido una figura recurrente durante siglos, reapareciendo con fuerza en el Renacimiento y el Barroco, de la mano de artistas como Caravaggio, Tiziano o Velázquez. Diego VelázquezLos borrachos o el Triunfo de Baco, 1628 – 1629Óleo sobre lienzo, 165 x 225 cm.Museo Nacional del Prado, Madrid, España Renoir Pierre-AugusteEl almuerzo de los remeros, 1881Óleo sobre lienzo129,5 × 172,7 cm.Colección Phillips, Washington D. C., Estados Unidos Durante la Edad Media, aunque el enfoque artístico se volvió más espiritual, el vino mantuvo su importancia simbólica, especialmente ligado al ritual cristiano. Más adelante, en la pintura flamenca y holandesa, volvió a aparecer en escenas cotidianas: tabernas, mesas familiares, bodegones. En estos cuadros, el vino habla de estatus social, de moral, de celebración o de exceso, según el contexto. Cada copa pintada es, en el fondo, un retrato de su tiempo. Con la llegada de la modernidad, el vino se libera de la carga simbólica estricta y se convierte en un elemento de la vida contemporánea. Los impresionistas lo integran en escenas urbanas y momentos íntimos; las vanguardias lo reinterpretan desde la forma, el color y la abstracción. En el arte moderno y contemporáneo, el vino ya no solo se representa: se experimenta. Se convierte en concepto, en performance, en excusa para el encuentro y el diálogo. Hoy, las tendencias actuales apuestan por borrar las fronteras entre disciplinas. Arte, gastronomía y vino convergen en experiencias multisensoriales donde el espectador deja de ser pasivo. Exposiciones que incluyen catas, instalaciones que juegan con aromas, colores que evocan notas de cata, artistas que trabajan directamente con barricas, botellas o paisajes vinícolas. El vino aporta tiempo, territorio y memoria; el arte, mirada crítica y emoción. Juntos, generan un espacio fértil para la conversación y el disfrute consciente. Vincular ambos mundos en el marco de una exposición de arte no es solo una decisión estética, sino también cultural. El vino invita a detenerse, a observar con calma, a compartir impresiones. Rompe el hielo, despierta los sentidos y predispone al diálogo. En ese contexto, la obra de arte se percibe de otra manera: más cercana, más humana, más viva. La cata se transforma así en una extensión natural de la experiencia artística. Porque al final, tanto el arte como el vino hablan de lo mismo: del deseo de comprender y celebrar la vida. Cata de vinos en el marco de la exposición «Crónicas del Color» Fecha: Jueves, 19 de febreroHorario: 18:00 – 20:30Lugar: Regus West ZürichBadenerstrasse 549, 8048 Zürich, 1st Floor

Encuentro con Artistas en Zúrich | La Mente detrás de la Obra Asheé Galería de Arte Por Katherine Pérez eventos ¿Alguna vez te preguntaste qué piensa el artista? El 27 de noviembre, vive una experiencia única. Conoce a los artistas de nuestra exposición, descubre sus historias y dialoga sobre el arte. Entrada gratuita. Más allá del cuadro: Descubre la voz detrás de la obra en un encuentro único con artistas El arte es, ante todo, un diálogo. Una pintura, una escultura o una instalación nos habla desde la pared, despertando emociones, preguntas y, a veces, respuestas inesperadas. Pero, ¿qué pasaría si pudieras sentarte frente a quien creó esa obra y preguntarle: «¿Qué querías decir realmente?». En Asheé Galería de Arte, creemos que la experiencia artística no termina en la contemplación. Se enriquece con la conversación, con el encuentro humano. Por eso, tenemos el placer de invitarte a un evento excepcional: un encuentro y charla íntima con todos los artistas de nuestra exposición colectiva actual. Será el próximo 27 de noviembre en nuestra sede en Zúrich. Honys TorresLuis Donald de Disney, 2021Acrílico sobre lienzo90 x 90 cm Tina BehnstedtAudrey and FlowerTécnica mixta, collage impreso sobrelienzo con acrílico.60 x 80 cm. El Misterio Resuelto: La Intención vs. La Interpretación Una de las dinámicas más fascinantes del arte es la brecha –a veces pequeña, a veces un abismo– entre la intención del artista y la interpretación del público. Tú, como espectador, traes tu propia historia, tus vivencias y tu sensibilidad a la obra, creando un significado único y personal. Pero, ¿cómo se compara eso con la chispa inicial que encendió la creación en la mente del artista? En este encuentro, tendrás la rara oportunidad de: Escuchar de primera mano las historias, los procesos creativos y los conceptos que dieron forma a las obras que admiras en nuestra galería. Desvelar el «por qué»: ¿Por qué esa paleta de colores? ¿Por qué ese material? ¿Qué experiencia personal o social quiso capturar el artista? Comprender la técnica: Descubre los desafíos y las soluciones innovadoras que hay detrás de cada pieza. Un Diálogo en Vivo: Cuando el Arte Cobra Vida Leer una placa descriptiva es una cosa. Escuchar la pasión en la voz del artista es otra muy distinta. Este evento no será una conferencia formal, sino una conversación abierta y dinámica. Un espacio donde podrás: Plantear tus preguntas: ¿Hay algo que siempre has querido preguntarle a un artista? Este es tu momento. Rompe la barrera invisible entre el creador y el espectador. Contrastar perspectivas: Comparte tu propia interpretación y descubre si el artista la visualizó de manera similar o si te sorprende con una perspectiva totalmente distinta. Es aquí donde el arte realmente cobra vida, en el cruce de miradas. Conectar con la comunidad artística: Conoce a otros amantes del arte, coleccionistas y críticos. Enriquécete con un intercambio de ideas vibrante y estimulante. Una Oportunidad Única e Irrepetible Reunir a todo el elenco de artistas de una exposición colectiva es un evento poco común. Es la ocasión perfecta para profundizar en tu comprensión del arte contemporáneo, para invertir en tu cultura personal y, quizás, para encontrar esa conexión emocional con una obra que la transforme de un objeto decorativo en una pieza significativa para tu vida o tu colección. No dejes que te lo cuenten. Vive la experiencia completa. Evento: Encuentro y charla con los artistas de la exposición colectiva «Im Zwischenraum»Fecha: Jueves, 27 de Noviembre de 2025Horario: 19:00 – 21:00 hLugar: Asheé Galría de Arte, Regus 1st. Floor. Badenerstrasse 549, CH-8048 Zürich WestEntrada: Gratuita. Aforo limitado. PangoDe la serie Casi felices, 2024 Técnica mixta sobre tela Federico GuerreroNatural Madness, 2019Acrílico sobre lienzo50 x 70 cm.

Artistas emergentes latinoamericanos ¡que debes seguir ya! Por Estela Ferrer Raveiro Asheé Galería El arte latinoamericano está viviendo un nuevo auge: joven, irreverente, profundamente conectado con las raíces y con el presente digital. En Asheé Gallery creemos que descubrir talento emergente es apostar por el futuro del arte. Aquí te presentamos cinco nombres que están redefiniendo la escena: María Conejo (México) – Con un trazo íntimo y poderoso, explora la relación entre cuerpo, identidad y feminidad contemporánea. Andrés Pereira Paz (Bolivia) – Fusiona mitología andina y crítica política en instalaciones que desarman las narrativas coloniales. Daniela Ortiz (Perú/España) – Su obra combina activismo y performance para denunciar estructuras de poder y exclusión. Adriana Minoliti (Argentina) – Desde la pintura digital, crea mundos queer y geométricos donde el color es lenguaje. Diego Machado (Brasil) – Entre el muralismo urbano y la gráfica digital, su trabajo reinterpreta el modernismo brasileño con frescura. Estos artistas, distintos en técnica pero unidos por la intensidad, confirman que Latinoamérica sigue siendo una fuente inagotable de innovación visual. Andrés Pereira Misterios: Amaru (navegar por múltiples dimensiones), 2022Tapiz bordado con objetos de los talleres ‘Los Castillo, Joyas de Tiahuanacu, Salvador Terán y otros120 x 150 cm. Adriana MinolitiTríptico, 2010Óleo, acrílico y esmalte sobre tela210 x 70 cm cada una. Similitudes Sorprendentes entre el Arte Precolombino y el Diseño Suizo Contemporáneo Aunque a primera vista parecen mundos opuestos —uno ancestral, otro minimalista— el arte precolombino y el diseño suizo comparten más de lo que imaginas. El poder del símbolo: Tanto en los tejidos andinos como en los logotipos de la Bauhaus o Helvetica, la forma geométrica comunica significado puro. La búsqueda de equilibrio: Las cerámicas mayas o mochicas muestran una precisión matemática comparable con la composición suiza: nada sobra, nada falta. Funcionalidad estética: En ambos casos, el arte no es solo ornamento, sino una extensión de la vida cotidiana —ya sea una vasija ceremonial o un cartel tipográfico. Esta afinidad revela que la distancia cultural puede ser solo aparente: la belleza, cuando nace de la coherencia, habla un idioma universal. Los Colores de Latinoamérica y su Significado en el Arte El color en el arte latinoamericano no es mero adorno: es lenguaje, emoción e historia. Desde el azul profundo de Frida Kahlo hasta los amarillos intensos de Cruz-Diez, los tonos del continente narran siglos de mezcla y resistencia. Rojo: pasión, sangre, vida, pero también protesta. Azul: lo espiritual, el mar, la introspección. Verde: la naturaleza que persiste, símbolo de esperanza. Amarillo: luz, energía y vitalidad tropical. Los artistas de la región utilizan el color como un manifiesto: cada trazo evoca identidad, memoria y deseo de transformación. En Asheé Gallery celebramos esa fuerza cromática que hace del arte latino una experiencia sensorial total, capaz de iluminar cualquier espacio.